Archivo de la categoría: musica-meditación

El «canto de armonicos» de Mongolia. Video

Bella melodía interpretada por un cantante de mongolia. Impresionantes armónicos y potente voz en hermoso tributo a la Madre Naturaleza e imploración a lo Divino …

El  Canto difónico  o  Canto de armónicos , también conocido como  Canto de la garganta , es una técnica vocal extensamente extendida en la geografía de las músicas tradicionales, especialmente en el área de Asia Central.

Seguir leyendo El «canto de armonicos» de Mongolia. Video

Las fotografías ganadoras de los premios ‘Unsplash Awards’

La primera edición del concurso ha recibido más de 500.000 fotografías dentro de las 12 categorías que han creado los organizadores.

Las fotografías ganadoras de los premios ‘Unsplash Awards’
Nicola Fioravanti

Los fotógrafos de Unsplash han convertido la página de fotografía en una de las más seguidas. Las imágenes, aunque gratuitas, no dejan de lado la calidad y la profesionalidad de la comunidad. Por ello organizar unos premios de fotografía se ha convertido en la mejor manera de valorar el trabajo de las personas que actualizan cada día la página web.

El concurso Unsplash Awards, según las palabras del sitio, tiene como objetivo «reconocer el poderoso impacto que los colaboradores de Unsplash han logrado a través de su generosidad y su arte».

Todos los días, miles de fotógrafos donan libremente su trabajo en Unsplash para impulsar la creatividad.

En la edición de 2017, los creadores del concurso de Unsplash lanzaron 12 categorías, para las cuales han seleccionado la mejor fotografía entre las 500.000 enviadas. «Nos quedamos impresionados. Había tantas fotos asombrosas que era casi imposible seleccionar una sola foto para cada categoría».

En total, 13 jueces han sido los encargados de escoger las mejores fotografías. Estas son las imágenes ganadoras del primer concurso de Unsplash.

Se aconseja poner esta música de fondo al visionado

Aérea

Adam Krowitz

Seguir leyendo Las fotografías ganadoras de los premios ‘Unsplash Awards’

Muere el legendario cantante Leonard Cohen a los 82 años

http://www.periodistadigital.com/america/cultura

Muere el legendario Leonard Cohen

En 2011 ganó el Premio Príncipe de Asturias de las Letras

Muere el legendario cantante Leonard Cohen a los 82 años

Tras publicar sus primeros poemarios y poemas y pasar una larga temporada en Grecia, Cohen debutó en la música con el disco ‘Songs of Leonard Cohen’

E.Cuenca / Europa Press, 11 de noviembre de 2016 a las 03:19

El legendario cantante canadiense Leonard Cohen murió el 10 de noviembre de 2016 a los 82 años de edad, según se informó en la página de Facebook del artista;

Con profundo pesar informamos la muerte del legendario poeta, compositor y artista Leonard Cohen. Hemos perdido a uno de los músicos más admirados y a un visionario prolífico.

Figura imprescindible de los cantautores surgidos en los años 60, Cohen se mantuvo en activo durante toda su vida, combinando música y poesía, y en octubre de este año había lanzado un nuevo disco, ‘You Want It Darker’.

Nacido el 21 de septiembre de 1934 en Montreal (Canadá) en el seno de una familia judía, Cohen empezó de joven a interesarse por la poesía y, en especial, por la obra del español Federico García Lorca.

Tras publicar sus primeros poemarios y poemas y pasar una larga temporada en Grecia, Cohen debutó en la música con el disco ‘Songs of Leonard Cohen’ (1967), considerado una obra maestra y que incluía canciones como ‘So Long, Marianne’ o ‘Suzanne’.

Su voz grave y profunda y su elaborado estilo literario, en el que mezclaba reflexiones románticas con temas espirituales y existenciales, se abrieron paso en una escena folk norteamericana en la que figuraban también Bob Dylan o Joni Mitchell, entre otros artistas.

Su alabada carrera, un modelo de referencia para los cantautores de todas las generaciones, incluye otros discos muy destacados como ‘Songs of Love and Hate’ (1971), ‘I’m Your Man’ (1988) o ‘Various Positions’ (1985), en el que aparecía ‘Hallelujah’, una de sus canciones más populares.

Tras un retiro espiritual en los 90, Cohen volvió en los últimos años de su vida a la actividad musical tras saber que su representante Kelley Lynch le había estafado y dejado al borde de la ruina.

Desde entonces publicó ‘Old Ideas’ (2012), ‘Popular Problems’ (2014) y su epílogo musical ‘You Want It Darker’, lanzado en 2016.

Entre los múltiples galardones que recibió a lo largo de su trayectoria figura el Premio Príncipe de Asturias de Las Letras que obtuvo en la edición de 2011.

 

«El Efecto Mozart» dr. Horacio Krell Ceo de Ilvem.

horaciokrell@ilvem.com
Publicado por SAIKU – DE TODO UN POCO.
Resultado de imagen para musica de mi alma

Una cuerda se rompe. Paganini sigue tocando.
Otra cuerda se rompe, pero Paganini saca sonidos de lo imposible.
La tercera se quiebra. La orquesta se detiene, el público se paraliza. Paganini no.
Como un mago arranca sonidos con la última cuerda de su violín.
La orquesta se motiva, el público pasa del silencio a la euforia, de la inercia al delirio.
No es ya sólo un violinista genial, es el símbolo de quien enfrenta lo imposible.
Nunca la vida rompe la última cuerda, el talento sigue tocando.
Armoniza ciencia y arte, razón y emoción, concepto e imagen, plan con intuición.

El efecto Mozart

Neruda dijo “muere lentamente quien no viaja, quien no lee, quien no escucha música”.

La música de Mozart influye en el cerebro por su regularidad.
Efecto Mozart es una expresión usada para demostrarlo.
Movimiento y música son una pareja inseparable que integra lo cognitivo, lo afectivo y lo motriz, desarrollan la conciencia y potencian la creatividad. El recuerdo de una melodía conduce a un pasado al que nos transportamos y traemos al presente.

La música genera la motivación necesaria antes del desafío, la relajación ante la tensión.
Se aplica también a lo curativo. La musicoterapia no es mágica, la música sí tiene la magia que conecta con las emociones, alimenta el alma y trae paz al espíritu.

Nadie es indiferente a su poderoso y magnético influjo. Poseemos una sensibilidad musical que puede estimular el crecimiento. La música puede trabajar sobre lo cognitivo, a través de las emociones, puede establecer un diálogo interactivo, hacernos tanto mover como pensar.

Seguir leyendo «El Efecto Mozart» dr. Horacio Krell Ceo de Ilvem.

ESCUCHAR ESTA CANCIÓN REDUCIRÁ TU ANSIEDAD EN UN 65% (AUDIO) SALUD

NEUROCIENTÍFICOS COMPRUEBAN QUE UNOS CUANTOS MINUTOS DE ESTA CANCIÓN INDUCEN ESTADOS PROFUNDOS DE RELAJACIÓN.

La ansiedad presume hoy de ser casi omnipresente entre las personas, al menos entre las que vivimos en grandes ciudades, hiper conectados a las redes y con un estilo de vida regido por el consumo, el trabajo y/o el entretenimiento. Esta condición, el vivir ansiosos, se ha transformado en una especie de prisión que arroja tristes consecuencias para nuestra salud física y mental. Tal vez por eso se ha masificado la búsqueda por herramientas o recursos que nos permitan matizar la ansiedad y así vivir mucho mejor de lo que vivimos.

Por otro lado, desde hace siglos, la música se convirtió en uno de los mejores acompañantes del ser humano, un estímulo hermoso con el que puede aderezar su camino y a la vez un catalizador de estados de ánimo: recordemos que la música puede ayudarnos a superar la tristeza, o sumegirnos en ella, a tranquilizarnos o activarnos, a incentivar la creatividad o incluso a sanar enfermedades con mayor rapidez. Y en este sentido no debiera sorprendernos que dentro del contexto actual, con la ansiedad como una de las deidades contemporáneas, existan piezas musicales que puedan ayudarnos significativamente a combatirla.

Un equipo de investigadores de Minlab International se propuso encontrar las piezas musicales que más ayudan a combatir la ansiedad. Entre las obras que reunieron y analizaron con voluntarios, los neurocientíficos encontraron una en particular que demostró resultados espectaculares. De hecho, comprobaron que escucharla redujo en promedio en un 65% los niveles de ansiedad de las personas.

Los efectos calmantes de esta pieza, compuesta por Marconi Union, son más sorprendentes si se considera que el trío británico la compuso, o mejor dicho diseñó, explícitamente para lograr tales resultados. De hecho «Weightless» (cuyo elegante video puedes ver aquí) fue nombrada hace un par de años como la «canción más relajante jamás compuesta».

En todo caso te recomendamos que la tengas cerca de ti, y que pruebes escucharla en esos momentos de mucha ansiedad, estrés o insomnio, que lamentablemente son cada vez más frecuentes. Los resultados son de verdad sorprendentes: solo cierra los ojos, concéntrate en los sonidos y goza la ingravidez que este track provee.

http://pijamasurf.com/2016/11/escuchar_esta_cancion_reducira_tu_ansiedad_en_un_65_audio/

Adriana – El monumento a la coima

Valeria Vera
http://www.lanacion.com.ar/1690504-monumento-a-la-coima

El monumento a la coima, una leyenda urbana de más de 70 años de vigencia

Está emplazado en el segundo piso de la actual sede de los Ministerios de Salud y de Desarrollo Social y no tendría precedentes en el mundo; según el mito, denuncia la corrupción que pesaba sobre Buenos Aires en 1930

minist
Según la leyenda, Hortal buscó simbolizar en la pieza de arte la presión que soportó durante la creación del edificio. Foto: LA NACION / Guadalupe Aizaga

La ex sede del Ministerio de Obras Públicas, conocido popularmente como el edificio de Evita, alberga un monumento que podría no tener precedentes en el mundo: una estatua que parece simbolizar el pago de coimas en la Argentina de la década del ´30. Se trata de una de las construcciones más emblemáticas de la ciudad de Buenos Aires. Desde allí se realizó la primera transmisión televisiva y Eva Perón pronunció el ya histórico discurso de «renunciamiento», entre otros hitos.

La singular torre, un verdadero ejemplo de modernidad para ese entonces, fue ideada por Alberto Belgrano Blanco, aunque quien realmente la materializó fue su colega José Hortal, director nacional de Arquitectura, allá por el año 33. El mismo que tiempo después se convertiría en el responsable de la escultura que genera las interpretaciones más curiosas.

Su nombre y las razones que lo impulsaron a crear a ésta última no aparecen reflejados ni certificados en ningún documento oficial. No obstante, integran una antigua leyenda urbana que se mantiene viva entre representante del sector, según revela el periodista e historiador Daniel Balmaceda en diálogo con LA NACION.

Muchos de ellos, incluso los más contemporáneos, coinciden en afirmar que el móvil principal de la incorporación del monumento, a la altura del segundo piso, giró en torno a la incomodidad que experimentaba Hortal por no poder terminar el edificio a tiempo.

la-coima
El monumento a la coima, una leyenda urbana de más de 70 años. Foto: LA NACION / Guadalupe Aizaga

LOS RASGOS DISTINTIVOS DEL MONUMENTO

Las idas y venidas, sumadas a los presuntos intentos de sobornos y pagos de coimas que buscaban acelerar la obra -en un escenario en el que la construcción en Buenos Aires se encontraba en pleno auge- terminaron por agotar la paciencia de Hortal y lo animaron a poner en marcha la pieza de arte que tenía en mente. Quería reflejar de algún modo la presión que sufría en carne propia. Esa es una de las hipótesis que, con mayor o menor fuerza según el tiempo, sostiene un grupo de historiadores y arquitectos.

Por eso, antes de entregar el edificio, decidió colocar en los vértices de la fachada principal dos esculturas de gran tamaño y estilo art déco que no estaban previstas en el proyecto original, al menos no con el formato que finalmente tuvieron. Algunas versiones sugieren que se las encargó al escultor Troiano Troiani, pero ese dato tampoco aparece en ningún archivo.

Según el mito, prosigue Balmaceda, una de ellas lleva en sus dos manos un pequeño cofre, mientras que la otra extiende la palma de su mano hacia atrás, con su brazo pegado al cuerpo, y mantiene una mirada distraída; una alegoría o denuncia sutil, aunque significativa, acerca de la interna que subyacía al proyecto, vigente hace más de setenta años.

Contrarreloj

Varias versiones dan cuenta del malestar que sentía por esos años Hortal. Hay quienes apuntan que la inauguración de la Avenida 9 de Julio complicó los planes originales del arquitecto porque el edificio, de 93 metros de altura, obstruía el trazado de la calle más ancha de la Argentina y quedaba en medio del llano. Así lo expone el periodista y escritor Diego M. Zigiotto en su libro Las mil y una curiosidades de Buenos Aires,en el que realiza una radiografía completa de sus 48 barrios, incluido el de Monserrat.

También refieren a los tironeos y las propuestas para abortar el proyecto y demolerlo, que poco tardaron en replicarse. Entre las alternativas barajadas -agrega Zigiotto- Belgrano Blanco propuso una segunda construcción gemela y enfrentada, que acentuaba su monumentalidad y se transformaba asimismo en un gran portal de ingreso a la ciudad desde el sur. Otros recomendaron derribar la planta baja conservando los pilares, y algunos especialistas -tal vez los más «osados»- sugirieron trasladar el edificio a la manzana lindera mediante rodillos.

Finalmente y contra los malos augurios y pronósticos, las dos obras, la de la torre y la del monumento, siguieron adelante y fueron inauguradas hacia 1937. La 9 de Julio llegó recién a esa zona diez años más tarde y fue concluida en toda su extensión en 1980.

img_0460

LA ESTATUARIA DE LA EPOCA

Cristina Beatriz Fernández, responsable del programa «Moderna Buenos Aires» del Consejo Profesional de Arquitectura y Urbanismo, y Carmen Magaz, experta en monumentos de la ciudad y profesora de los posgrados de Historia de la Universidad del Salvador (USAL), abonan el argumento de que no hay información precisa ni menciones a la creación de Hortal, ni siquiera en el boletín de obras públicas, que registra los planos de los distintos edificios construidos en aquel periodo.

No obstante, tampoco se muestran sorprendidas cuando se les consulta sobre la existencia de leyendas o mitos urbanos alrededor de la estatuaria de Buenos Aires. «En el Juicio Final de la Sixtina, Miguel Angel puso a los que odiaba como condenados, por lo que no me extrañaría que Hortal haya solicitado a Troiano Troiani esa temática; un poco como descargo de tanta presión», desliza Magaz.

Fernández añade que se trata de una práctica común dentro de la estatuaria antigua de la ciudad. «Los artistas incurrían muchas veces en una especie de juego o guiño imaginario con el otro. Especialmente, esto ocurría cuando había algo del contexto en que vivían que los inquietaba. Así, muchos escultores de la época, mediante sus obras, buscaban movilizar al pueblo y (volverlos cómplices)», subraya la arquitecta y deja abierta así la posibilidad de que este caso no escape a una tradición que se ha enraizado dentro de la historia argentina.

Adriana – EJERCICIO DE SANACIÓN: LIBERAR APEGOS Y DOLORES EMOCIONALES

Camino al despertar
mauandayoyi.blogspot.com.ar

iluminacion

Toma unos minutos para estar a solas contigo mismo.
Con tres respiraciones profundas, empieza a relajarte y a adentrarte en tu interior. Puedes cerrar los ojos si lo deseas.
Ahora, recuerda una situación concreta o una persona que te haya generado una emoción negativa o dolor. También pueden ser varias emociones negativas, como por ejemplo, el enojo, la rabia, la ira, el rencor, el resentimiento, el odio, la cólera, el miedo, la tristeza, etc.

A continuación, hazte la pregunta: «¿Quién siente esta emoción?».
Permanece unos instantes en silencio, auto-indagando en quién es el que siente la emoción.
Tu respuesta es «yo». Pero, ¿quién es este «yo»?.
Contempla eso. Contempla quién es este «yo» que siente esa emoción negativa o ese dolor.

Ahora, hazte la pregunta: «¿Soy consciente de esto?».
Permanece unos instantes más en silencio, auto-indagando en si eres consciente de este «yo» que siente la emoción negativa o el dolor.
Tu respuesta es «sí, soy consciente».
Si no fueras consciente, no te darías cuenta de nada de esto, estarías totalmente ausente. Por tanto, hay alguien ahí que es consciente en todo momento.

A continuación, hazte la pregunta: «¿Quién es el que es consciente?» o “¿qué es eso que es consciente todo el tiempo?”
Toma unos momentos para estar en silencio, para auto-indagar en quién es consciente del «yo» que siente la emoción negativa o el dolor.
Tu respuesta es: «Yo soy consciente».
Entonces, hay dos yoes; el «yo» que siente la emoción y el «Yo» que es consciente del «yo» que siente la emoción.
Por tanto, ¿cuál de los dos yoes eres tú?
Contempla eso.

Estás cambiando el modo de ver las cosas. Estás cambiando tu foco de atención y te estás dando cuenta de que tú eres dos yoes, pero uno de ellos es real y el otro es ficticio, ¿cuál de ellos es el real y cuál es el ficticio?

El «yo» que siente la emoción, es tu persona, tu identidad. Es tu identificación con el cuerpo-mente y tu historia. Este “yo” ha experimentado una situación concreta y de ahí ha surgido una emoción. Este “yo” es el ego o también llamado «yo separado».
Este “yo” no es real, es tan solo una creencia mental que se identifica con este cuerpo-mente, dando lugar a un personaje ficticio basado en conceptos y condicionamientos mentales, y patrones establecidos. Todo esto forma parte de la historia, de la película, por tanto es ficticio.

Por otro lado, el «Yo» que está más allá de la historia, y que está todo el tiempo observando todo lo que sucede, es un «Yo» que no puede ser nombrado, no puede ser descrito, porque no tiene nombre ni forma. Está más allá de lo que acontece, percibiendo, observando y siendo consciente. Siempre permanece como Presencia Consciente, como observador.
Este «Yo» es tu verdadera naturaleza. Eres Tú. Es la Conciencia Pura no manifestada que está más allá de las formas manifestadas.

Ahora puedes ver claramente que no eres el personaje que está implicado en la historia. Puedes ver que esa emoción que sientes no es tuya, simplemente ha surgido debido a que estabas identificado con el “yo”, y cuando ha surgido un pensamiento, te has apegado a él. Este apegarse al pensamiento ha generado una emoción en tu cuerpo, la cual te ha hecho sentir mal, te ha hecho sentir dolor.
Así pues, cada vez que te identificas con este “yo” que crees que eres, cada vez que te identificas con tu cuerpo-mente y tu historia, estás generando dolor y sufrimiento. El apego al “yo” es la causa de todo el dolor emocional.

¿Puedes darte cuenta de que tú no eres el “yo”?
Contempla eso.
Tú eres eso que está más allá de esta película del “yo” y su historia. Eres eso que siempre observa, eso que siempre está consciente.

Pongamos un ejemplo: Imagina la pantalla de un cine, y en la pantalla aparecen unas imágenes; un bosque que se está quemando. Los árboles se queman, pero ¿se quema la pantalla?
La pantalla no se quema, pues no forma parte de la película.
La película es una proyección, por tanto, es una ilusión.
La pantalla, en cambio, es el espacio en el cual sucede la historia. Y nunca es afectada por la historia. Los árboles que aparecen en la pantalla sí se queman, porque forman parte de la película; pero la pantalla no se quema, ya que está más allá de la película.
La pantalla se mantiene siempre intacta. La película no puede dañarla, no puede herirla.

Tú, Presencia Consciente, eres la pantalla, en la cual sucede una historia. Mientras no estés identificado con un “yo”, no puedes ser afectado por lo que sucede en esa historia; no puedes ser tocado, ni herido. Por tanto, no puedes sentir dolor ni sufrimiento. Únicamente siente dolor y sufrimiento el personaje que está involucrado en la historia; el “yo”, el ego. Es importante trascender este “yo” y vivir desde nuestra verdadera esencia.
Mientras nos identifiquemos con un personaje que vive una historia, sentiremos dolor y sufriremos, pero si cambiamos nuestro punto de vista y enfocamos nuestra atención a Eso que está más allá y que siempre es consciente de todo lo que acontece, y reposamos como Consciencia Yo Soy, entonces nada ni nadie podrá afectarnos ni alterarnos, no habrá sufrimiento, solo paz.

Ahora que puedes ver claramente que Tú eres Presencia Consciente, observa esa emoción que siente este «yo» que creías ser. Únicamente observa intensamente esa emoción. Al observarla siendo Presencia Consciente, verás que la emoción desaparece. Se disuelve en la nada. Se transmuta en luz.
Tú tienes el poder de poder transmutar toda negatividad y dolor en luz. Solo con la luz de tu Presencia Consciente, cualquier forma de negatividad, se disolverá.
Ésta es la sanación más elevada. Y tú puedes acceder a ella siempre que quieras.

El sexo representado en las iglesias del románico

http://es.blastingnews.com/

Autor| José Antonio Cabezas Vigara

Los humanos somos una de las especies más eróticas del mundo animal y se refleja en el arte

 
Canecillos con esculturas sexuales de la Colegiata de San Pedro de Cervatos (Cantabria)

Los seres humanos, generalmente, copulamos con menos frecuencia que otras especies animales simplemente porque, desde tiempos remotos, nos enfrentamos a numerosas restricciones sexuales impuestas por la sociedad. No obstante, según el antropólogo Marvin Harris, “los humanos somos una de las especies más eróticas del mundo animal”. No sorprende, con esta afirmación, que el sexo sea uno de los temas más recurrente del arte de antiguas civilizaciones como la hindú, la griega o la romana, entre otras.

 

Sin embargo, es más extraño que aparezca abundante iconografía erótica esculpida en los canecillos, las metopas y los capiteles de las iglesias románicas. ¿Qué hacen ahí? Los investigadores actuales no se ponen de acuerdo en las causas y exponen tres hipótesis principales sobre la elección de esta temática. La primera explica que se trata de simples alegorías del pecadocarnal y, en muchos casos, de sus castigos correspondientes. La segunda afirma que representa la necesidad reproductora de la época y, por tanto, tienen como finalidad la estimulación de las relaciones sexuales para favorecer la procreación en una sociedad con elevada mortalidad infantil y una escasa esperanza de vida. La tercera revela, sencillamente, que la sociedad medieval es sexualmente más liberal de lo que creemos.

Sea cual sea la causa, el caso es que en España hay una gran densidad de iconografía sexual repartida por un gran número de iglesias románicas. Las zonas más destacadas son el sur de Cantabria, donde destaca la Colegiata de San Pedro de Cervatos; la zona nororiental de Palencia, donde sobresale San Cebrián de Mudá; y el norte de Burgos, donde se distingue Tejada y Valdenoceda. No obstante, la distribución geográfica es mucho más amplia y hay muestras también en iglesias de las provincias de Soria, Segovia y Burgos.

Las escenas sexuales que más se repiten en el arte románico son las figuras onanistas, los varones itifálicos, las mujeres mostrando su sexo y los coitos entre humanos o entre animales. Asimismo, también son frecuentes las representaciones de fiestas, de juglares o de bailes como, por ejemplo, las representaciones que el Maestro de San Juan de la Peña hace de sensuales bailarinas contorsionistas junto a sus músicos.

Por otro lado, es frecuentemente encontrar especialmente mutilados o erosionados los canecillos o los capiteles con figuras de contenido sexual. ¿Es consecuencia del deterioro normal de la roca o se debe a agresiones deliberadas de la población? Lo más probable es que existiera alguna tradición de lanzar piedras a ciertas representaciones iconográficas impúdicas como, incluso aún en la actualidad, recuerdan en ciertos pueblos las personas de edad más avanzada.

En conclusión, no es fácil discernir la complejidad del significado ni del simbolismo de la iconografía sexual del románico. Probablemente, nunca llegaremos a obtener una única interpretación segura de las causas que llevaron a estas creaciones. Lo único claro, en mi opinión, es que el románico sexual pretende penetrar en la mentalidad emocional de las gentes del medievo con unos fines moralizadores.

Van Gogh y su arte científico.

http://www.upsocl.com/cultura-y-entretencion/

 

ear-4672e6113d73bab133e2d365ff41d12e
Van Gogh era un artista bastante asombroso, pero resulta que…

¡TAMBIÉN ERA UN CIENTÍFICO!*

giphy-b79ea38acc99f93c4898ecd44a799759
* más o menos.

Aquí está la historia…

Mientras Van Gogh estaba en un asilo en Francia (después de cortarse la oreja luego de un episodio psicótico)
ear-5bee1a799b7908642b711620facacff5times-d98c80d1c2c6ce186f175087a2f718e3
…fue capaz de capturar uno de los conceptos más elusivos de la ciencia:tubulence-00c2aa393ff1ee064bfab6d18be5ab7f

*– TURBULENCIA –*turb-8a5b312585569cb25cda41dcdb4086bb

Aunque es difícil de entender con las matemáticas (en serio, MUY DIFÍCIL), resulta que el arte lo hace fácil para representar como se VE.

brain-38942d6b6edd1f01c9f955fed46fd4d8

Entonces, ¿qué es la turbulencia?

pool-7b79935bf7ee4bdfdc8aaaf5bc276858La turbulencia, o flujo turbulento, es un concepto de dinámica de fluidos donde los movimientos fluidos son “auto-similares” cuando hay una cascada de energía  así que básicamente , remolinos grandes hacen remolinos más pequeños, y esos hacen unos incluso más pequeños… y así en adelante.

Así se ve:

¿Ves? Es más fácil mirar imágenes para entenderlo.
La cosa es que, los científicos están *recién* empezando a imaginarse estas cosas.
spacemen-e34a844ff3413755da1422102403179a
Aquí tienes a Van Gohg, 100 años antes, en un asilo, con una oreja menos, dio completamente en el clavo.2-68e1b70ce30b813d09e2b90fc2689ec8
La gente que se dio cuenta de la habilidad de Van Gogh para capturar turbulencia revisaron si otros impresionistas hicieron lo mismo. Muchos impresionistas alcanzaron la  “luminancia” con su arte (es ese efecto que ves cuando miras sus pinturas que realmente ven como la luz se ve).
Pero, ¿Otros artistas representaron la TURBULENCIA de la forma que Van Gogh lo hizo?
NOP.
turbulent-8f6b799b095d935969a7c96ca5e2ed8e
¡Ni siquiera “El Grito” pudo acercarse a lo que hizo Van Gogh!
Incluso en su tiempo más oscuro, Van Gogh fue capaz de capturar – de una forma inquietantemente exacta – uno de los conceptos más complejos y confusos de la naturaleza… 100 años antes que los científicos empezaran siquiera a tocar el tema.
beard-84c6d50ea1a22c863a80f2d5323a4620
Impresionante, ¿no?

«Tu Vida es tu Obra Maestra – La Vida como Arte y el Arte como Vida» Gary ‘Z’ McGee.

27 Julio 2016 – del Sitio Web FractalEnlightenment
traducción de Adela Kaufmann – Versión original en ingles
www.bibliotecapleyades.net

EL ARTE ES LA MENTIRA
QUE REVELA LA VERDAD.

Pablo Picasso – Artista

«Éste es el único problema real de la vida, la única preocupación de mérito del hombre:

  • ¿Cuál es el verdadero talento de uno, su don secreto, su auténtica vocación?
  • ¿De qué manera es uno verdaderamente único y cómo puede expresar esta singularidad, darle forma, dedicarlo a algo más allá de sí mismo?
  • ¿Cómo puede la persona tomar su ser interior privado, el gran misterio que siente en el corazón de sí mismo, sus emociones, sus anhelos y utilizarlos para vivir más claramente, para enriquecerse a sí mismo y a la humanidad con la cualidad peculiar de su talento? «

Ernest Becker

Cuando llegamos a esto, la vida puede ser nada más una gran ilusión, una espectacular ilusión.

Lo más probable es que no es nada más que una flor de un día de un cosmos mayor, una fugaz finitud naufragada frente a una inquebrantable infinidad. A lo sumo, podría significar algo en el sentido de que todo está conectado con todo lo demás.

Seguir leyendo «Tu Vida es tu Obra Maestra – La Vida como Arte y el Arte como Vida» Gary ‘Z’ McGee.

«Mándala: La Geometría Sagrada en el Arte Budista»

Josyeliz Alcalá – hermandadblanca.org

Tal vez el símbolo más admirado y discutido de la religión budista y el arte es el mándala, una palabra que, como el gurú y el yoga, se ha convertido en parte del lenguaje Inglés. Su popularidad es subrayada por el uso de la palabra mándala como sinónimo de un espacio sagrado en el mundo, y por su presencia en los diccionarios idioma Inglés y enciclopedias. Ambos definen en términos generales, señalan que los diseños geométricos pretenden simbolizar el universo y se hace referencia a su uso en las prácticas budistas e hindúes. Pues, aquí se encuentra la geometría sagrada en el arte budista.

La idea mándala se originó mucho antes de que existiera la idea de la historia misma. En el primer nivel de la India o incluso la religión indoeuropea, en el Rig Veda y su literatura asociada, mándala es el término para un capítulo, una colección de mantras o himnos en verso cantado en las ceremonias védicas, tal vez procedente del sentido de la ronda, como en una ronda de canciones.

la geometría sagrada en el arte budista

El universo se cree que se origina a partir de estos himnos, cuyos sonidos sagrados contenían los patrones genéticos de los seres y las cosas, por lo que ya es un claro sentido del mándala como modelo mundial.

Seguir leyendo «Mándala: La Geometría Sagrada en el Arte Budista»

Los niños llorones. Los cuadros malditos de Bruno Amadio.

https://www.elpensante.com/los-ninos-llorones-los-cuadros-malditos-de-bruno-amadio/

niños_llorones

.

Los niños malditos

Bruno Amadio, un pintor que pasó sus días con más pena que gloria y al que le ha sobrevivido una leyenda negra y oscura. Su colección “Los niños llorones”, dicen que está maldita, que sus cuadros son una puerta para pactar con el diablo y que terribles desdichas recaen en todos aquellos que se atreven a colgar uno de esos óleos en las paredes de su hogar.

niños_llorones2

El pintor

Poco se sabe de éste personaje y los datos que se pueden encontrar son más que confusos. Amadio nació a principios del siglo pasado en Venecia, fue fascista y conservador y, cómo no, un fiel seguidor de Mussolini. Se cuenta que participó en la II Guerra mundial y que fue en ésta donde comenzó a pintar los cuadros malditos, la serie a la que llamó “Los niños llorones”.

En dichos cuadros, Giovanni Bragolin, pues con este nombre firmaba sus trabajos, pretendía mostrar el horror de la guerra en las lágrimas de esos niños desdichados y huérfanos, símbolo más que gráfico de las desgracias que dejaba el conflicto bélico allí por donde pasaba.

Cuenta la historia que Bruno Amadio pintó un total de 27 cuadros en esta serie y que todos los niños vivían en orfanatos o casas de beneficiencia.

Al finalizar la guerra, Amadio se traslada a vivir a España; primero a Sevilla, donde pasa varios años de su vida y más tarde a Madrid, donde se le pierde totalmente el rastro.

bruno_amadio

La leyenda negra

Al igual que su vida, la leyenda que le acompaña también tiene un origen incierto. Según cuenta la versión más extendida, Bruno Amadio, harto de ser un pintor de tres al cuarto, pactó con el diablo para poder tener la fama y el reconocimiento que se merecía. (No se sabe a qué precio). La cuestión es que, de la noche a la mañana, sus cuadros se hicieron muy populares y a mediados de siglo eran un tesoro preciado del que se hacían cientos de reproducciones todos los años. A más de uno les sonarán las caras de estos niños pues más de una de nuestras abuelas seguro que lució una de estas copias en el salón. En algún lugar debió de ocurrir un incendio en el que lo único que se salvó fue el cuadro del niño llorón y aquí fue donde se desencadenó la leyenda que conocemos hoy en día. Las casas donde se cuelga uno de estos originales arden en llamas y son fuente de misteriosos poltergueist y fenómenos extraños.

cuadros_malditos

En una de las versiones de la leyenda urbana se cuenta que el primer cuadro que pintó Bruno, se quedó en el mismo orfanato de dónde era el niño retratado y que dicho orfanato ardió hasta los cimientos a los pocos días, todos murieron abrasados, incluso el propio niño que fue pintado por Amadio en el cuadro que, misteriosamente, fue el único objeto que no fue pasto de las llamas. De esto modo, el espíritu del niño quedó atrapado de algún modo en el lienzo que arrastraría la terrible maldición por el resto de los días. Personalmente, ésta versión que ronda por la red me parece una invención folklórica, pues ya se sabe lo que pasa con este tipo de leyendas en las que los dimes y diretes las van redondeando para rodearlas del entorno más macabro posible.

En fin, al final de los años setenta la leyenda se extendió como la pólvora y los testimonios sobre la mala suerte de todos aquellos que poseían uno de los cuadros de la colección se multiplicaban por momentos. Nadie quería tener uno de estos cuadros en su casa y las copias dejaron de realizarse por falta de pedidos, “por si acaso”, todos fueron descolgando sus cuadros y arrinconándolos en los desvanes si no deshaciéndose de ellos lo más rápido posible.

bruno-amadio_1

Cuentan, que en determinadas fechas, si uno se ponía delante del niño llorón podía pactar con el diablo, y éste te podía mirar directamente a los ojos a través de los enrojecidas y llorosa mirada del niño.

Hoy en día todavía quedan muchos de sus cuadros en circulación, y todavía son muchos los que aseguran que en sus hogares suceden hechos extraños. ¿Leyenda urbana? ¿Cuentos de viejas? Para comprobarlo tan solo hay que comprar uno de estos cuadros y colgarlo durante una temporada sobre la cabecera de sus camas. Eso sí… tengan un extintor bajo la almohada.

 

DSC00027.jpg image by antareshg

Este quizá sea uno de los más famosos, pues se dice que al girarlo se ve a un pez devorando al niño.

el_niño_lloron