Archivos de la categoría ARTE

MUSICA PARA EL ALMA

Artista francés-canadiense Steven Spazuk ha domesticado el fuego. Durante los últimos 15 años, Spazuk ha puesto a punto una técnica llamada fumage. Él usa llamas como lápices para crear espectaculares pinturas que siempre tienen un elemento de sorpresa: un golpe repentino de viento, un ligero temblor de la mano … eso es, de acuerdo con Spazuk, es el alma de su proceso creativo que hace que cada pieza sea única.

Muere el legendario cantante Leonard Cohen a los 82 años

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Muere el legendario Leonard Cohen

En 2011 ganó el Premio Príncipe de Asturias de las Letras

Muere el legendario cantante Leonard Cohen a los 82 años

Tras publicar sus primeros poemarios y poemas y pasar una larga temporada en Grecia, Cohen debutó en la música con el disco ‘Songs of Leonard Cohen’

E.Cuenca / Europa Press, 11 de noviembre de 2016 a las 03:19

El legendario cantante canadiense Leonard Cohen murió el 10 de noviembre de 2016 a los 82 años de edad, según se informó en la página de Facebook del artista;

Con profundo pesar informamos la muerte del legendario poeta, compositor y artista Leonard Cohen. Hemos perdido a uno de los músicos más admirados y a un visionario prolífico.

Figura imprescindible de los cantautores surgidos en los años 60, Cohen se mantuvo en activo durante toda su vida, combinando música y poesía, y en octubre de este año había lanzado un nuevo disco, ‘You Want It Darker’.

Nacido el 21 de septiembre de 1934 en Montreal (Canadá) en el seno de una familia judía, Cohen empezó de joven a interesarse por la poesía y, en especial, por la obra del español Federico García Lorca.

Tras publicar sus primeros poemarios y poemas y pasar una larga temporada en Grecia, Cohen debutó en la música con el disco ‘Songs of Leonard Cohen’ (1967), considerado una obra maestra y que incluía canciones como ‘So Long, Marianne’ o ‘Suzanne’.

Su voz grave y profunda y su elaborado estilo literario, en el que mezclaba reflexiones románticas con temas espirituales y existenciales, se abrieron paso en una escena folk norteamericana en la que figuraban también Bob Dylan o Joni Mitchell, entre otros artistas.

Su alabada carrera, un modelo de referencia para los cantautores de todas las generaciones, incluye otros discos muy destacados como ‘Songs of Love and Hate’ (1971), ‘I’m Your Man’ (1988) o ‘Various Positions’ (1985), en el que aparecía ‘Hallelujah’, una de sus canciones más populares.

Tras un retiro espiritual en los 90, Cohen volvió en los últimos años de su vida a la actividad musical tras saber que su representante Kelley Lynch le había estafado y dejado al borde de la ruina.

Desde entonces publicó ‘Old Ideas’ (2012), ‘Popular Problems’ (2014) y su epílogo musical ‘You Want It Darker’, lanzado en 2016.

Entre los múltiples galardones que recibió a lo largo de su trayectoria figura el Premio Príncipe de Asturias de Las Letras que obtuvo en la edición de 2011.

 

MUSICA PARA EL ALMA

La mayoría de estas fotografías sólo se pueden captar una vez en la vida. A veces para esto tienes que esperar durante horas con una cámara fotográfica y planear con detalle la composición de la imagen que deseas tomar, y a veces sólo tienes que oprimir el botón en el momento correcto. Sin embargo, lo más importante es la visión creativa y la habilidad de notar detalles que juntos forman una ilusión óptica espectacular. También estas fotos muestran que por lo general las cosas no son lo que parecen.

https://genial.guru/admiracion-fotografias/25-fotografias-que-tendras-que-mirar-dos-veces-112705/

MUSICA PARA EL ALMA

Los bailarines de todo el mundo se desnudaron para posar para el nuevo libro de Manhattan fotógrafo de retratos Jordan Matter: bailarines después de la oscuridad.

De Londres a París para la ciudad de Nueva York, la Materia viajó a muchas ciudades diferentes para capturar bailarinas completamente desnudas en lugares públicos. “Muchas veces en la vida tenemos que correr hacia nuestros objetivos con los ojos vendados, confiar en nuestros instintos que nos guía. Estas imágenes representan nuestra voluntad de lanzarnos a las calles sin temor al fracaso”, dijo la Materia. “Si lo hace, llevado a la belleza y la emoción que no podría haber imaginado.” Cada foto muestra cómo los bailarines han dejado su zona de confort para perseguir sus sueños con un compromiso extraordinario. Echar un vistazo a algunas de las fotos impresionantes de la materia rodadas en Nueva York a continuación. Se puede comprar a través de su libro

his website.

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MUSICA PARA EL ALMA

Vadim Stein es un fotógrafo ucraniano que captura imágenes de elegantes bailarines en movimiento.

Con sede en San Petersburgo, Rusia, Stein fue educado inicialmente en el ámbito de la escultura y restauración, y su fotografía se inspira claramente en alguna parte por esto como sus temas frecuentemente se ven como elegantes estatuas, preparada para la eternidad en varias posiciones fascinantes.

“Resolver el problema estético, que también revelan muchas cuestiones éticas”, escribe el fotógrafo. “Para mí, las cosas tales como el amor y la muerte se revelan a través de la categoría estética, la belleza es el predecesor de la ética.” Stein cuenta con más de 25k talla en Facebook. También puede encontrarlo en Behance.

Más información: Facebook | Behance (h / t: designyoutrust )

# 1 Fotografía de la danza

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Adriana – El monumento a la coima

Valeria Vera
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El monumento a la coima, una leyenda urbana de más de 70 años de vigencia

Está emplazado en el segundo piso de la actual sede de los Ministerios de Salud y de Desarrollo Social y no tendría precedentes en el mundo; según el mito, denuncia la corrupción que pesaba sobre Buenos Aires en 1930

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Según la leyenda, Hortal buscó simbolizar en la pieza de arte la presión que soportó durante la creación del edificio. Foto: LA NACION / Guadalupe Aizaga

La ex sede del Ministerio de Obras Públicas, conocido popularmente como el edificio de Evita, alberga un monumento que podría no tener precedentes en el mundo: una estatua que parece simbolizar el pago de coimas en la Argentina de la década del ´30. Se trata de una de las construcciones más emblemáticas de la ciudad de Buenos Aires. Desde allí se realizó la primera transmisión televisiva y Eva Perón pronunció el ya histórico discurso de “renunciamiento”, entre otros hitos.

La singular torre, un verdadero ejemplo de modernidad para ese entonces, fue ideada por Alberto Belgrano Blanco, aunque quien realmente la materializó fue su colega José Hortal, director nacional de Arquitectura, allá por el año 33. El mismo que tiempo después se convertiría en el responsable de la escultura que genera las interpretaciones más curiosas.

Su nombre y las razones que lo impulsaron a crear a ésta última no aparecen reflejados ni certificados en ningún documento oficial. No obstante, integran una antigua leyenda urbana que se mantiene viva entre representante del sector, según revela el periodista e historiador Daniel Balmaceda en diálogo con LA NACION.

Muchos de ellos, incluso los más contemporáneos, coinciden en afirmar que el móvil principal de la incorporación del monumento, a la altura del segundo piso, giró en torno a la incomodidad que experimentaba Hortal por no poder terminar el edificio a tiempo.

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El monumento a la coima, una leyenda urbana de más de 70 años. Foto: LA NACION / Guadalupe Aizaga

LOS RASGOS DISTINTIVOS DEL MONUMENTO

Las idas y venidas, sumadas a los presuntos intentos de sobornos y pagos de coimas que buscaban acelerar la obra -en un escenario en el que la construcción en Buenos Aires se encontraba en pleno auge- terminaron por agotar la paciencia de Hortal y lo animaron a poner en marcha la pieza de arte que tenía en mente. Quería reflejar de algún modo la presión que sufría en carne propia. Esa es una de las hipótesis que, con mayor o menor fuerza según el tiempo, sostiene un grupo de historiadores y arquitectos.

Por eso, antes de entregar el edificio, decidió colocar en los vértices de la fachada principal dos esculturas de gran tamaño y estilo art déco que no estaban previstas en el proyecto original, al menos no con el formato que finalmente tuvieron. Algunas versiones sugieren que se las encargó al escultor Troiano Troiani, pero ese dato tampoco aparece en ningún archivo.

Según el mito, prosigue Balmaceda, una de ellas lleva en sus dos manos un pequeño cofre, mientras que la otra extiende la palma de su mano hacia atrás, con su brazo pegado al cuerpo, y mantiene una mirada distraída; una alegoría o denuncia sutil, aunque significativa, acerca de la interna que subyacía al proyecto, vigente hace más de setenta años.

Contrarreloj

Varias versiones dan cuenta del malestar que sentía por esos años Hortal. Hay quienes apuntan que la inauguración de la Avenida 9 de Julio complicó los planes originales del arquitecto porque el edificio, de 93 metros de altura, obstruía el trazado de la calle más ancha de la Argentina y quedaba en medio del llano. Así lo expone el periodista y escritor Diego M. Zigiotto en su libro Las mil y una curiosidades de Buenos Aires,en el que realiza una radiografía completa de sus 48 barrios, incluido el de Monserrat.

También refieren a los tironeos y las propuestas para abortar el proyecto y demolerlo, que poco tardaron en replicarse. Entre las alternativas barajadas -agrega Zigiotto- Belgrano Blanco propuso una segunda construcción gemela y enfrentada, que acentuaba su monumentalidad y se transformaba asimismo en un gran portal de ingreso a la ciudad desde el sur. Otros recomendaron derribar la planta baja conservando los pilares, y algunos especialistas -tal vez los más “osados”- sugirieron trasladar el edificio a la manzana lindera mediante rodillos.

Finalmente y contra los malos augurios y pronósticos, las dos obras, la de la torre y la del monumento, siguieron adelante y fueron inauguradas hacia 1937. La 9 de Julio llegó recién a esa zona diez años más tarde y fue concluida en toda su extensión en 1980.

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LA ESTATUARIA DE LA EPOCA

Cristina Beatriz Fernández, responsable del programa “Moderna Buenos Aires” del Consejo Profesional de Arquitectura y Urbanismo, y Carmen Magaz, experta en monumentos de la ciudad y profesora de los posgrados de Historia de la Universidad del Salvador (USAL), abonan el argumento de que no hay información precisa ni menciones a la creación de Hortal, ni siquiera en el boletín de obras públicas, que registra los planos de los distintos edificios construidos en aquel periodo.

No obstante, tampoco se muestran sorprendidas cuando se les consulta sobre la existencia de leyendas o mitos urbanos alrededor de la estatuaria de Buenos Aires. “En el Juicio Final de la Sixtina, Miguel Angel puso a los que odiaba como condenados, por lo que no me extrañaría que Hortal haya solicitado a Troiano Troiani esa temática; un poco como descargo de tanta presión”, desliza Magaz.

Fernández añade que se trata de una práctica común dentro de la estatuaria antigua de la ciudad. “Los artistas incurrían muchas veces en una especie de juego o guiño imaginario con el otro. Especialmente, esto ocurría cuando había algo del contexto en que vivían que los inquietaba. Así, muchos escultores de la época, mediante sus obras, buscaban movilizar al pueblo y (volverlos cómplices)”, subraya la arquitecta y deja abierta así la posibilidad de que este caso no escape a una tradición que se ha enraizado dentro de la historia argentina.

El sexo representado en las iglesias del románico

http://es.blastingnews.com/

Autor| José Antonio Cabezas Vigara

Los humanos somos una de las especies más eróticas del mundo animal y se refleja en el arte

 
Canecillos con esculturas sexuales de la Colegiata de San Pedro de Cervatos (Cantabria)

Los seres humanos, generalmente, copulamos con menos frecuencia que otras especies animales simplemente porque, desde tiempos remotos, nos enfrentamos a numerosas restricciones sexuales impuestas por la sociedad. No obstante, según el antropólogo Marvin Harris, “los humanos somos una de las especies más eróticas del mundo animal”. No sorprende, con esta afirmación, que el sexo sea uno de los temas más recurrente del arte de antiguas civilizaciones como la hindú, la griega o la romana, entre otras.

 

Sin embargo, es más extraño que aparezca abundante iconografía erótica esculpida en los canecillos, las metopas y los capiteles de las iglesias románicas. ¿Qué hacen ahí? Los investigadores actuales no se ponen de acuerdo en las causas y exponen tres hipótesis principales sobre la elección de esta temática. La primera explica que se trata de simples alegorías del pecadocarnal y, en muchos casos, de sus castigos correspondientes. La segunda afirma que representa la necesidad reproductora de la época y, por tanto, tienen como finalidad la estimulación de las relaciones sexuales para favorecer la procreación en una sociedad con elevada mortalidad infantil y una escasa esperanza de vida. La tercera revela, sencillamente, que la sociedad medieval es sexualmente más liberal de lo que creemos.

Sea cual sea la causa, el caso es que en España hay una gran densidad de iconografía sexual repartida por un gran número de iglesias románicas. Las zonas más destacadas son el sur de Cantabria, donde destaca la Colegiata de San Pedro de Cervatos; la zona nororiental de Palencia, donde sobresale San Cebrián de Mudá; y el norte de Burgos, donde se distingue Tejada y Valdenoceda. No obstante, la distribución geográfica es mucho más amplia y hay muestras también en iglesias de las provincias de Soria, Segovia y Burgos.

Las escenas sexuales que más se repiten en el arte románico son las figuras onanistas, los varones itifálicos, las mujeres mostrando su sexo y los coitos entre humanos o entre animales. Asimismo, también son frecuentes las representaciones de fiestas, de juglares o de bailes como, por ejemplo, las representaciones que el Maestro de San Juan de la Peña hace de sensuales bailarinas contorsionistas junto a sus músicos.

Por otro lado, es frecuentemente encontrar especialmente mutilados o erosionados los canecillos o los capiteles con figuras de contenido sexual. ¿Es consecuencia del deterioro normal de la roca o se debe a agresiones deliberadas de la población? Lo más probable es que existiera alguna tradición de lanzar piedras a ciertas representaciones iconográficas impúdicas como, incluso aún en la actualidad, recuerdan en ciertos pueblos las personas de edad más avanzada.

En conclusión, no es fácil discernir la complejidad del significado ni del simbolismo de la iconografía sexual del románico. Probablemente, nunca llegaremos a obtener una única interpretación segura de las causas que llevaron a estas creaciones. Lo único claro, en mi opinión, es que el románico sexual pretende penetrar en la mentalidad emocional de las gentes del medievo con unos fines moralizadores.

Van Gogh y su arte científico.

http://www.upsocl.com/cultura-y-entretencion/

 

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Van Gogh era un artista bastante asombroso, pero resulta que…

¡TAMBIÉN ERA UN CIENTÍFICO!*

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* más o menos.

Aquí está la historia…

Mientras Van Gogh estaba en un asilo en Francia (después de cortarse la oreja luego de un episodio psicótico)
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…fue capaz de capturar uno de los conceptos más elusivos de la ciencia:tubulence-00c2aa393ff1ee064bfab6d18be5ab7f

*– TURBULENCIA –*turb-8a5b312585569cb25cda41dcdb4086bb

Aunque es difícil de entender con las matemáticas (en serio, MUY DIFÍCIL), resulta que el arte lo hace fácil para representar como se VE.

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Entonces, ¿qué es la turbulencia?

pool-7b79935bf7ee4bdfdc8aaaf5bc276858La turbulencia, o flujo turbulento, es un concepto de dinámica de fluidos donde los movimientos fluidos son “auto-similares” cuando hay una cascada de energía  así que básicamente , remolinos grandes hacen remolinos más pequeños, y esos hacen unos incluso más pequeños… y así en adelante.

Así se ve:

¿Ves? Es más fácil mirar imágenes para entenderlo.
La cosa es que, los científicos están *recién* empezando a imaginarse estas cosas.
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Aquí tienes a Van Gohg, 100 años antes, en un asilo, con una oreja menos, dio completamente en el clavo.2-68e1b70ce30b813d09e2b90fc2689ec8
La gente que se dio cuenta de la habilidad de Van Gogh para capturar turbulencia revisaron si otros impresionistas hicieron lo mismo. Muchos impresionistas alcanzaron la  “luminancia” con su arte (es ese efecto que ves cuando miras sus pinturas que realmente ven como la luz se ve).
Pero, ¿Otros artistas representaron la TURBULENCIA de la forma que Van Gogh lo hizo?
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¡Ni siquiera “El Grito” pudo acercarse a lo que hizo Van Gogh!
Incluso en su tiempo más oscuro, Van Gogh fue capaz de capturar – de una forma inquietantemente exacta – uno de los conceptos más complejos y confusos de la naturaleza… 100 años antes que los científicos empezaran siquiera a tocar el tema.
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Impresionante, ¿no?

“Tu Vida es tu Obra Maestra – La Vida como Arte y el Arte como Vida” Gary ‘Z’ McGee.

27 Julio 2016 – del Sitio Web FractalEnlightenment
traducción de Adela Kaufmann – Versión original en ingles
www.bibliotecapleyades.net

EL ARTE ES LA MENTIRA
QUE REVELA LA VERDAD.

Pablo Picasso – Artista

“Éste es el único problema real de la vida, la única preocupación de mérito del hombre:

  • ¿Cuál es el verdadero talento de uno, su don secreto, su auténtica vocación?
  • ¿De qué manera es uno verdaderamente único y cómo puede expresar esta singularidad, darle forma, dedicarlo a algo más allá de sí mismo?
  • ¿Cómo puede la persona tomar su ser interior privado, el gran misterio que siente en el corazón de sí mismo, sus emociones, sus anhelos y utilizarlos para vivir más claramente, para enriquecerse a sí mismo y a la humanidad con la cualidad peculiar de su talento? “

Ernest Becker

Cuando llegamos a esto, la vida puede ser nada más una gran ilusión, una espectacular ilusión.

Lo más probable es que no es nada más que una flor de un día de un cosmos mayor, una fugaz finitud naufragada frente a una inquebrantable infinidad. A lo sumo, podría significar algo en el sentido de que todo está conectado con todo lo demás.

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“Mándala: La Geometría Sagrada en el Arte Budista”

Josyeliz Alcalá – hermandadblanca.org

Tal vez el símbolo más admirado y discutido de la religión budista y el arte es el mándala, una palabra que, como el gurú y el yoga, se ha convertido en parte del lenguaje Inglés. Su popularidad es subrayada por el uso de la palabra mándala como sinónimo de un espacio sagrado en el mundo, y por su presencia en los diccionarios idioma Inglés y enciclopedias. Ambos definen en términos generales, señalan que los diseños geométricos pretenden simbolizar el universo y se hace referencia a su uso en las prácticas budistas e hindúes. Pues, aquí se encuentra la geometría sagrada en el arte budista.

La idea mándala se originó mucho antes de que existiera la idea de la historia misma. En el primer nivel de la India o incluso la religión indoeuropea, en el Rig Veda y su literatura asociada, mándala es el término para un capítulo, una colección de mantras o himnos en verso cantado en las ceremonias védicas, tal vez procedente del sentido de la ronda, como en una ronda de canciones.

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El universo se cree que se origina a partir de estos himnos, cuyos sonidos sagrados contenían los patrones genéticos de los seres y las cosas, por lo que ya es un claro sentido del mándala como modelo mundial.

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Los niños llorones. Los cuadros malditos de Bruno Amadio.

https://www.elpensante.com/los-ninos-llorones-los-cuadros-malditos-de-bruno-amadio/

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Los niños malditos

Bruno Amadio, un pintor que pasó sus días con más pena que gloria y al que le ha sobrevivido una leyenda negra y oscura. Su colección “Los niños llorones”, dicen que está maldita, que sus cuadros son una puerta para pactar con el diablo y que terribles desdichas recaen en todos aquellos que se atreven a colgar uno de esos óleos en las paredes de su hogar.

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El pintor

Poco se sabe de éste personaje y los datos que se pueden encontrar son más que confusos. Amadio nació a principios del siglo pasado en Venecia, fue fascista y conservador y, cómo no, un fiel seguidor de Mussolini. Se cuenta que participó en la II Guerra mundial y que fue en ésta donde comenzó a pintar los cuadros malditos, la serie a la que llamó “Los niños llorones”.

En dichos cuadros, Giovanni Bragolin, pues con este nombre firmaba sus trabajos, pretendía mostrar el horror de la guerra en las lágrimas de esos niños desdichados y huérfanos, símbolo más que gráfico de las desgracias que dejaba el conflicto bélico allí por donde pasaba.

Cuenta la historia que Bruno Amadio pintó un total de 27 cuadros en esta serie y que todos los niños vivían en orfanatos o casas de beneficiencia.

Al finalizar la guerra, Amadio se traslada a vivir a España; primero a Sevilla, donde pasa varios años de su vida y más tarde a Madrid, donde se le pierde totalmente el rastro.

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La leyenda negra

Al igual que su vida, la leyenda que le acompaña también tiene un origen incierto. Según cuenta la versión más extendida, Bruno Amadio, harto de ser un pintor de tres al cuarto, pactó con el diablo para poder tener la fama y el reconocimiento que se merecía. (No se sabe a qué precio). La cuestión es que, de la noche a la mañana, sus cuadros se hicieron muy populares y a mediados de siglo eran un tesoro preciado del que se hacían cientos de reproducciones todos los años. A más de uno les sonarán las caras de estos niños pues más de una de nuestras abuelas seguro que lució una de estas copias en el salón. En algún lugar debió de ocurrir un incendio en el que lo único que se salvó fue el cuadro del niño llorón y aquí fue donde se desencadenó la leyenda que conocemos hoy en día. Las casas donde se cuelga uno de estos originales arden en llamas y son fuente de misteriosos poltergueist y fenómenos extraños.

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En una de las versiones de la leyenda urbana se cuenta que el primer cuadro que pintó Bruno, se quedó en el mismo orfanato de dónde era el niño retratado y que dicho orfanato ardió hasta los cimientos a los pocos días, todos murieron abrasados, incluso el propio niño que fue pintado por Amadio en el cuadro que, misteriosamente, fue el único objeto que no fue pasto de las llamas. De esto modo, el espíritu del niño quedó atrapado de algún modo en el lienzo que arrastraría la terrible maldición por el resto de los días. Personalmente, ésta versión que ronda por la red me parece una invención folklórica, pues ya se sabe lo que pasa con este tipo de leyendas en las que los dimes y diretes las van redondeando para rodearlas del entorno más macabro posible.

En fin, al final de los años setenta la leyenda se extendió como la pólvora y los testimonios sobre la mala suerte de todos aquellos que poseían uno de los cuadros de la colección se multiplicaban por momentos. Nadie quería tener uno de estos cuadros en su casa y las copias dejaron de realizarse por falta de pedidos, “por si acaso”, todos fueron descolgando sus cuadros y arrinconándolos en los desvanes si no deshaciéndose de ellos lo más rápido posible.

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Cuentan, que en determinadas fechas, si uno se ponía delante del niño llorón podía pactar con el diablo, y éste te podía mirar directamente a los ojos a través de los enrojecidas y llorosa mirada del niño.

Hoy en día todavía quedan muchos de sus cuadros en circulación, y todavía son muchos los que aseguran que en sus hogares suceden hechos extraños. ¿Leyenda urbana? ¿Cuentos de viejas? Para comprobarlo tan solo hay que comprar uno de estos cuadros y colgarlo durante una temporada sobre la cabecera de sus camas. Eso sí… tengan un extintor bajo la almohada.

 

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Este quizá sea uno de los más famosos, pues se dice que al girarlo se ve a un pez devorando al niño.

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