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El sexo representado en las iglesias del románico
http://es.blastingnews.com/
Autor| José Antonio Cabezas Vigara
Los humanos somos una de las especies más eróticas del mundo animal y se refleja en el arte
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| Canecillos con esculturas sexuales de la Colegiata de San Pedro de Cervatos (Cantabria) |
Los seres humanos, generalmente, copulamos con menos frecuencia que otras especies animales simplemente porque, desde tiempos remotos, nos enfrentamos a numerosas restricciones sexuales impuestas por la sociedad. No obstante, según el antropólogo Marvin Harris, “los humanos somos una de las especies más eróticas del mundo animal”. No sorprende, con esta afirmación, que el sexo sea uno de los temas más recurrente del arte de antiguas civilizaciones como la hindú, la griega o la romana, entre otras.
Sin embargo, es más extraño que aparezca abundante iconografía erótica esculpida en los canecillos, las metopas y los capiteles de las iglesias románicas. ¿Qué hacen ahí? Los investigadores actuales no se ponen de acuerdo en las causas y exponen tres hipótesis principales sobre la elección de esta temática. La primera explica que se trata de simples alegorías del pecadocarnal y, en muchos casos, de sus castigos correspondientes. La segunda afirma que representa la necesidad reproductora de la época y, por tanto, tienen como finalidad la estimulación de las relaciones sexuales para favorecer la procreación en una sociedad con elevada mortalidad infantil y una escasa esperanza de vida. La tercera revela, sencillamente, que la sociedad medieval es sexualmente más liberal de lo que creemos.
Sea cual sea la causa, el caso es que en España hay una gran densidad de iconografía sexual repartida por un gran número de iglesias románicas. Las zonas más destacadas son el sur de Cantabria, donde destaca la Colegiata de San Pedro de Cervatos; la zona nororiental de Palencia, donde sobresale San Cebrián de Mudá; y el norte de Burgos, donde se distingue Tejada y Valdenoceda. No obstante, la distribución geográfica es mucho más amplia y hay muestras también en iglesias de las provincias de Soria, Segovia y Burgos.
Las escenas sexuales que más se repiten en el arte románico son las figuras onanistas, los varones itifálicos, las mujeres mostrando su sexo y los coitos entre humanos o entre animales. Asimismo, también son frecuentes las representaciones de fiestas, de juglares o de bailes como, por ejemplo, las representaciones que el Maestro de San Juan de la Peña hace de sensuales bailarinas contorsionistas junto a sus músicos.
Por otro lado, es frecuentemente encontrar especialmente mutilados o erosionados los canecillos o los capiteles con figuras de contenido sexual. ¿Es consecuencia del deterioro normal de la roca o se debe a agresiones deliberadas de la población? Lo más probable es que existiera alguna tradición de lanzar piedras a ciertas representaciones iconográficas impúdicas como, incluso aún en la actualidad, recuerdan en ciertos pueblos las personas de edad más avanzada.
En conclusión, no es fácil discernir la complejidad del significado ni del simbolismo de la iconografía sexual del románico. Probablemente, nunca llegaremos a obtener una única interpretación segura de las causas que llevaron a estas creaciones. Lo único claro, en mi opinión, es que el románico sexual pretende penetrar en la mentalidad emocional de las gentes del medievo con unos fines moralizadores.
Van Gogh y su arte científico.
http://www.upsocl.com/cultura-y-entretencion/
Van Gogh era un artista bastante asombroso, pero resulta que…
¡TAMBIÉN ERA UN CIENTÍFICO!*
* más o menos.
Aquí está la historia…
Mientras Van Gogh estaba en un asilo en Francia (después de cortarse la oreja luego de un episodio psicótico)
…fue capaz de capturar uno de los conceptos más elusivos de la ciencia:
*– TURBULENCIA –*
Aunque es difícil de entender con las matemáticas (en serio, MUY DIFÍCIL), resulta que el arte lo hace fácil para representar como se VE.
Entonces, ¿qué es la turbulencia?
La turbulencia, o flujo turbulento, es un concepto de dinámica de fluidos donde los movimientos fluidos son “auto-similares” cuando hay una cascada de energía así que básicamente , remolinos grandes hacen remolinos más pequeños, y esos hacen unos incluso más pequeños… y así en adelante.Así se ve:
¿Ves? Es más fácil mirar imágenes para entenderlo.
La cosa es que, los científicos están *recién* empezando a imaginarse estas cosas.
Aquí tienes a Van Gohg, 100 años antes, en un asilo, con una oreja menos, dio completamente en el clavo.
La gente que se dio cuenta de la habilidad de Van Gogh para capturar turbulencia revisaron si otros impresionistas hicieron lo mismo. Muchos impresionistas alcanzaron la “luminancia” con su arte (es ese efecto que ves cuando miras sus pinturas que realmente ven como la luz se ve).
Pero, ¿Otros artistas representaron la TURBULENCIA de la forma que Van Gogh lo hizo?
NOP.
¡Ni siquiera “El Grito” pudo acercarse a lo que hizo Van Gogh!
Incluso en su tiempo más oscuro, Van Gogh fue capaz de capturar – de una forma inquietantemente exacta – uno de los conceptos más complejos y confusos de la naturaleza… 100 años antes que los científicos empezaran siquiera a tocar el tema.
Impresionante, ¿no?
«Tu Vida es tu Obra Maestra – La Vida como Arte y el Arte como Vida» Gary ‘Z’ McGee.
27 Julio 2016 – del Sitio Web FractalEnlightenment
traducción de Adela Kaufmann – Versión original en ingles
www.bibliotecapleyades.net
EL ARTE ES LA MENTIRA
QUE REVELA LA VERDAD.
Pablo Picasso – Artista
«Éste es el único problema real de la vida, la única preocupación de mérito del hombre:
- ¿Cuál es el verdadero talento de uno, su don secreto, su auténtica vocación?
- ¿De qué manera es uno verdaderamente único y cómo puede expresar esta singularidad, darle forma, dedicarlo a algo más allá de sí mismo?
- ¿Cómo puede la persona tomar su ser interior privado, el gran misterio que siente en el corazón de sí mismo, sus emociones, sus anhelos y utilizarlos para vivir más claramente, para enriquecerse a sí mismo y a la humanidad con la cualidad peculiar de su talento? «
Ernest Becker
Cuando llegamos a esto, la vida puede ser nada más una gran ilusión, una espectacular ilusión.
Lo más probable es que no es nada más que una flor de un día de un cosmos mayor, una fugaz finitud naufragada frente a una inquebrantable infinidad. A lo sumo, podría significar algo en el sentido de que todo está conectado con todo lo demás.
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«Mándala: La Geometría Sagrada en el Arte Budista»
Josyeliz Alcalá – hermandadblanca.org
Tal vez el símbolo más admirado y discutido de la religión budista y el arte es el mándala, una palabra que, como el gurú y el yoga, se ha convertido en parte del lenguaje Inglés. Su popularidad es subrayada por el uso de la palabra mándala como sinónimo de un espacio sagrado en el mundo, y por su presencia en los diccionarios idioma Inglés y enciclopedias. Ambos definen en términos generales, señalan que los diseños geométricos pretenden simbolizar el universo y se hace referencia a su uso en las prácticas budistas e hindúes. Pues, aquí se encuentra la geometría sagrada en el arte budista.
La idea mándala se originó mucho antes de que existiera la idea de la historia misma. En el primer nivel de la India o incluso la religión indoeuropea, en el Rig Veda y su literatura asociada, mándala es el término para un capítulo, una colección de mantras o himnos en verso cantado en las ceremonias védicas, tal vez procedente del sentido de la ronda, como en una ronda de canciones.
El universo se cree que se origina a partir de estos himnos, cuyos sonidos sagrados contenían los patrones genéticos de los seres y las cosas, por lo que ya es un claro sentido del mándala como modelo mundial.
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Los niños llorones. Los cuadros malditos de Bruno Amadio.
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Los niños malditos
Bruno Amadio, un pintor que pasó sus días con más pena que gloria y al que le ha sobrevivido una leyenda negra y oscura. Su colección “Los niños llorones”, dicen que está maldita, que sus cuadros son una puerta para pactar con el diablo y que terribles desdichas recaen en todos aquellos que se atreven a colgar uno de esos óleos en las paredes de su hogar.
El pintor
Poco se sabe de éste personaje y los datos que se pueden encontrar son más que confusos. Amadio nació a principios del siglo pasado en Venecia, fue fascista y conservador y, cómo no, un fiel seguidor de Mussolini. Se cuenta que participó en la II Guerra mundial y que fue en ésta donde comenzó a pintar los cuadros malditos, la serie a la que llamó “Los niños llorones”.
En dichos cuadros, Giovanni Bragolin, pues con este nombre firmaba sus trabajos, pretendía mostrar el horror de la guerra en las lágrimas de esos niños desdichados y huérfanos, símbolo más que gráfico de las desgracias que dejaba el conflicto bélico allí por donde pasaba.
Cuenta la historia que Bruno Amadio pintó un total de 27 cuadros en esta serie y que todos los niños vivían en orfanatos o casas de beneficiencia.
Al finalizar la guerra, Amadio se traslada a vivir a España; primero a Sevilla, donde pasa varios años de su vida y más tarde a Madrid, donde se le pierde totalmente el rastro.
La leyenda negra
Al igual que su vida, la leyenda que le acompaña también tiene un origen incierto. Según cuenta la versión más extendida, Bruno Amadio, harto de ser un pintor de tres al cuarto, pactó con el diablo para poder tener la fama y el reconocimiento que se merecía. (No se sabe a qué precio). La cuestión es que, de la noche a la mañana, sus cuadros se hicieron muy populares y a mediados de siglo eran un tesoro preciado del que se hacían cientos de reproducciones todos los años. A más de uno les sonarán las caras de estos niños pues más de una de nuestras abuelas seguro que lució una de estas copias en el salón. En algún lugar debió de ocurrir un incendio en el que lo único que se salvó fue el cuadro del niño llorón y aquí fue donde se desencadenó la leyenda que conocemos hoy en día. Las casas donde se cuelga uno de estos originales arden en llamas y son fuente de misteriosos poltergueist y fenómenos extraños.
En una de las versiones de la leyenda urbana se cuenta que el primer cuadro que pintó Bruno, se quedó en el mismo orfanato de dónde era el niño retratado y que dicho orfanato ardió hasta los cimientos a los pocos días, todos murieron abrasados, incluso el propio niño que fue pintado por Amadio en el cuadro que, misteriosamente, fue el único objeto que no fue pasto de las llamas. De esto modo, el espíritu del niño quedó atrapado de algún modo en el lienzo que arrastraría la terrible maldición por el resto de los días. Personalmente, ésta versión que ronda por la red me parece una invención folklórica, pues ya se sabe lo que pasa con este tipo de leyendas en las que los dimes y diretes las van redondeando para rodearlas del entorno más macabro posible.
En fin, al final de los años setenta la leyenda se extendió como la pólvora y los testimonios sobre la mala suerte de todos aquellos que poseían uno de los cuadros de la colección se multiplicaban por momentos. Nadie quería tener uno de estos cuadros en su casa y las copias dejaron de realizarse por falta de pedidos, “por si acaso”, todos fueron descolgando sus cuadros y arrinconándolos en los desvanes si no deshaciéndose de ellos lo más rápido posible.
Cuentan, que en determinadas fechas, si uno se ponía delante del niño llorón podía pactar con el diablo, y éste te podía mirar directamente a los ojos a través de los enrojecidas y llorosa mirada del niño.
Hoy en día todavía quedan muchos de sus cuadros en circulación, y todavía son muchos los que aseguran que en sus hogares suceden hechos extraños. ¿Leyenda urbana? ¿Cuentos de viejas? Para comprobarlo tan solo hay que comprar uno de estos cuadros y colgarlo durante una temporada sobre la cabecera de sus camas. Eso sí… tengan un extintor bajo la almohada.
Este quizá sea uno de los más famosos, pues se dice que al girarlo se ve a un pez devorando al niño.
Aguaviva – Poetas andaluces (1975)
«Cambalache» Joan Manuel Serrat.
Ricardo Morino
Tango de Enrique Santos Discépolo, a la manera del decir de Serrat.
En un recital en Buenos Aires.
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«Identifican en Chile más de 150 diseños de arte rupestre de entre el año 2000 a.C y el 500 d.C.»
Scientific American – mysteryplanet.com.ar
Desde hace cinco años, arqueólogos le han seguido la pista al arte rupestre en el valle del Limarí, en la zona centro-norte de Chile. Según los expertos, encontrar restos del lenguaje visual que usaban los habitantes de esta área de Latinoamérica ha sido complejo. Las pinturas están altamente deterioradas y no pueden ser identificadas a simple vista. Sin embargo, con la ayuda de tecnología digital, como cámaras fotográficas de alta resolución, tabletas y un software especializado, los investigadores detectaron la presencia de pinturas que estaban casi desaparecidas.
Las luces que ha entregado el descubrimiento de estas pinturas otorga valiosa información sobre el lenguaje visual
usado por los habitantes prehispánicos en esta zona de Latinoamérica.
Los antropólogos encontraron más de 150 diseños en rocas, producidos por cazadores-recolectores que habitaron esa zona de la Región de Coquimbo, entre el 2000 a.C. y el 500 d.C. Se trata de un área geográfica ubicada a unos 400 kilómetros al norte de la capital chilena, Santiago, y al sur del árido desierto de Atacama.
Como parte del estudio, los expertos fotografiaron rocas del sector y luego trabajaron con esas imágenes en el software D-Stretch, el que permitió detectar en ellas colores difíciles de observar a ojo desnudo. «Este programa tiene algoritmos predefinidos para trabajar con arte rupestre», dice Andrés Troncoso, arqueólogo del departamento de Antropología de la Universidad de Chile y líder de la investigación.
«Estas nuevas tecnologías están permitiendo dar cuenta de un universo de representaciones que se conocía mal porque el estado de conservación de estas pinturas es malo», asegura Marcela Sepúlveda, arqueóloga del Instituto de Alta Investigación de la Universidad de Tarapacá, quien ha hecho estudios sobre arte rupestre más al norte de Chile.
Entre las imágenes captadas, los investigadores seleccionaron aquellas provenientes de piedras donde aún se notaba algún tipo de evidencia arqueológica, por ejemplo, pigmento. Además consideraron aquellos diseños que eran consistentes con el arte rupestre que ya se conocía en el área y que indudablemente habían sido producidos por el hombre.
Las pinturas descubiertas corresponden principalmente a líneas, círculos y algunos cuadrados de colores variados. Se cree que los diferentes pigmentos fueron obtenidos gracias al uso de minerales presentes en la zona y que probablemente fueron combinados con algún tipo de grasa animal, aunque estudios futuros deberán determinar si eso es así.
Tampoco hay claridad sobre las herramientas que utilizaron estas personas para elaborar las pinturas. Pudieron ser pinceles, los dedos de las manos o una combinación de ambas técnicas. Pero sí hay mayor certeza sobre el material que estos habitantes usaron en cada color: el rojo fue hecho con hematita, el verde con cobre, el amarillo con goethita y el negro con carbón.
«Tuvimos la suerte de que las pinturas negras fueron hechas con carbón», dice Troncoso. Gracias a eso, los investigadores pudieron realizar análisis de radiocarbono para calcular la fecha de creación de estas pinturas de manera más exacta. «Si uno mira la literatura arqueológica a nivel global, hay muy pocas dataciones o fechados absolutos de arte rupestre», explica el investigador sobre la importancia de este hallazgo.
Los artistas y su sentido de pertenencia
Los resultados del estudio, publicados en el Journal of Anthropological Archaeology, sugieren que las pinturas pertenecen a grupos distintos de habitantes prehispánicos en la zona del Limarí: aquellos del área costera y aquellos del área de la cordillera. Si bien el arte producido por ambas comunidades presenta similitudes —como la ausencia de figuras animales y humanas— los autores del estudio encontraron que la composición de los diseños y el uso de los colores es diferente en ambos grupos. «Abajo (en la costa) hay líneas paralelas que no están arriba (en la cordillera)», ejemplifica Troncoso y agrega que los habitantes del sector de la cordillera ocupaban mayor variedad de colores.
Determinar el significado del arte rupestre es muy complejo. Sin embargo, el estudio sugiere que en este caso, las pinturas ayudaron a generar identidad y pertenencia al interior de las comunidades. «En definitiva yo marco cuáles son mis territorios y cuáles no son mis territorios», explica Troncoso. «Es como decir: “todos los que ocupamos este territorio somos de un mismo grupo y pintamos de esta manera”», enfatiza.
La necesidad de marcar el territorio, explican los expertos, habría surgido luego de transformaciones sociales que se vivieron en la zona, entre ellas el aumento de población.
«Pareciera que ésa es una interpretación muy válida al situar estas imágenes en un contexto particular de crecimiento poblacional», agrega Sepúlveda y destaca que en otras regiones de Chile se ha visto procesos similares.
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«El Sonido del Silencio» Simon & Garfunkel.
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Eternamente
https://youtu.be/Jrg0k5BjgCo
Aida. ROBERT LLIMOS: ENCUENTRO CERCANO EN FORTALEZA
por Dogma Cero.
El artista Robert Llimós inaugura en Barcelona una exposición basada en el contacto que tuvo en las playas de Fortaleza (Brasil) en julio de 2009.
Robert Llimós i Oriol es un pintor y escultor de renombre internacional. Nació el 19 de octubre de 1943 en Barcelona y estudio en la prestigiosa Escuela Massana y en la Escuela Superior de Bellas Artes Sant Jordi de esta ciudad. Se inició como pintor de la Nueva Figuración (1965-1968). En 1969 se adentró en el arte conceptual para volver de nuevo a la pintura figurativa dentro de una línea expresionista.
Entre 1975 y 1983 residió en Nueva York y entre 1987 y 1988 en Miami para volver a Barcelona, en donde reside actualmente.
Entre sus obras cabe destacar la pintura mural que realizó para la familia March en su residencia mallorquina de Cala Ratjada o la escultura de “Marc” que realizó en 1996 para los Juegos Olímpicos de Atlanta (existe una copia de esta escultura en la Villa Olimpica de Barcelona). Recibió el Premi Nacional d’Arts Plastiques de la Generalitat de Catalunya(1994). Además de pintura y escultura, su obra incluye o bra gráfica, murales, carteles etc.
Su vida sufrió un vuelco cuando, de forma inesperada, entró en contacto con otra realidad…
Robert Llimós en la sede del II.EE. en una foto tomada en octubre 2015, junto a los investigadores del fenómeno OVNI Ramon Navia y Carme Domenech
En el año 2009, Llimós vivió una experiencia que le marcaría profundamente y que plasmará posteriormente en su obra artística. En julio de ese año viajó a Sao Paulo(Brasil) para pasar un fin de semana familiar y el lunes, junto con su familia, se trasladaron a Fortaleza. Allí Llimós decide ir a dibujar las dunas de las extensas playas de esa zona cuando de repente vio unas luces en el cielo, unas formas geométricas entre las nubes que acabaron configurando lo que parecía el típico “OVNI”. De pronto, sintió como si una especie de rayo láser escaneara su cuerpo. Pudo ver una “nave” con ventanas que parecían rodeadas de un halo de luz azulada, y seres de apariencia humanoide en ellas que, aparecía y desaparecía tras las nubes, como si se estuviera escondiendo. Robert decidió plasmar en dibujos hechos a lápiz para documentar casi fotográficamente todo lo que estaba viendo.
De algún modo el artista logró contactar con esos “seres”, un par de tripulantes que Robert cree que eran de sexo opuesto y tal vez procedentes de otra dimensión. Lo que a él le pareció la figura femenina llevaba una especie de diadema en su cabeza: parecían estar como en “una cabina y tenía una luz de color amarillo”.
Aquella experiencia dejó una profunda huella en Robert Llimós, que hasta entonces no había creído ni se había interesado en el fenómeno OVNI. Los primeros bocetos tomados a toda prisa en las playas de Fortaleza acabaron por convertirse en una serie de pinturas que ha llamado “Contacto”.
Y el próximo 8 de junio de 2016 inaugura en Barcelona una exposición sorprendente de grandes telas y esculturas, basada en ese encuentro cercano que Robert Llimós tuvo en fortaleza aquella tarde de julio del año 2009. Un evento interesante e imprescindible para acercarse a este enigmatico y contradictorio fenómeno de la mano de un artista de reconocido prestigio.
Dejamos a nuestros lectores especular acerca de porque “ellos” eligieron a Llimóspara ser contactado.
David Alvarez-Planas
Fuente foto cabecera:http://www.revistaañocero.com/
EXPOSICION ROBERT LLIMOS
Pinturas, esculturas, grabados y dibujos que representan, de manera casi obsesiva, criaturas de diferentes galaxias
Dónde: Espacio Marc Llimós
Fechas: 9/06/16 al 8/07/16
Horas: Jueves-Domingo 16:00 – 20:00
Dirección: C / Sant Pere de més alt, 43.
Localidad: Barcelona
Información facilitada por
Bemypartner
Descripción
Sorprendente proyecto expositivo del internacional artista catalán Robert Llimós. Llimós vivió en 2009 una experiencia que le marcó para siempre y que cambió el objeto de su obra. Tras salir a dar un paseo por una localidad brasileña visualizó una nave espacial, con una gran ventana donde se podían ver dos personajes que le miraban, algo parecido a un hombre y una mujer con cuellos largos y piel escamosa.
Allí mismo tomó algunos apuntes y al llegar a Barcelona empezó a centrarse en la reproducción de aquel momento vital. El fruto de este trabajo es el que se puede visitar en Barcelona.
VEURE #2 forma parte del proyecto VEURE, cuya primera fase: VEURE #1, fue presentada con éxito de crítica y público en Roma, en marzo de este año.
En esta segunda fase del proyecto, los visitantes podrán ver no solo las obras creadas a partir de su experiencia y conexión con criaturas extraterrestres sino también obras históricas del internacional artista.
(Fuente:https://selenitaconsciente.com)
Para saber más:
https://selenitaconsciente.com
http://lorealytuversion.blogspot.com.es/2010_11_01_archive.html
http://www.revistaañocero.com/secciones/ovnis-vida-extraterrestre/aliens-llimos-aterrizan-barcelona
El milenario y desconocido arte rupestre egipcio
http://www.ancient-origins.es/noticias-general-lugares-antiguos-%C3%A1frica/el-milenario-desconocido-arte-rupestre-egipcio-003558?nopaging=1
Los grabados sobre piedra de las diferentes dinastías del Antiguo Egipto, sus grandes monumentos y sus milenarias y sorprendentes pirámides son conocidos en todo el mundo. Sin embargo poco se habla del arte rupestre descubierto en este país, perdido en el desierto y cuyas pinturas y petroglifos dan vida a una época prehistórica de abundante presencia animal.
En medio del Valle del Nilo, entre Luxor y Asuán, ciudades de la ribera oriental del río, existe una serie de grabados datados en unos 17.000 años de antigüedad. Grabados de los que, gracias a la labor de la organización TARA (Trust for African Rock Art) mantenemos el registro de muchos de ellos. Sin embargo, otros muchos no han podido ser datados por el momento, aunque se cree que podrían haber sido creados en el mismo período histórico que los descubiertos en el Valle del Nilo. El yacimiento más conocido del país –y el más fotografiado– es el de Wadi Sura.
Panorámica de parte del valle egipcio de Wadi Sura desde una de sus muchas cuevas.
Wadi Sura, que en árabe significa Valle Pintado, se encuentra en el suroeste del país, cerca de la frontera con Libia, en el borde occidental del Gilf Kebir, nombre que designa a la Gran Mesetade formación calcárea y arenisca o roca sedimentaria.
Así, en la imagen de portada del presente artículo, correspondiente a una pintura de Wadi Sura, vemos que en su parte superior izquierda, en color marrón, aparecen dos hombres arrodillados con las manos levantadas, uno de ellos situado frente a un mítico ser de cuello alargado y orejas largas. Asimismo, de forma más tenue, aparece una fila de hombres pintados en dos colores, que según los expertos de TARA llevarían tocados animales en la cabeza.
Roca de Gilf Kebir en cuyos grabados se pueden ver unos perros atacando a tres oryx (antílopes) bajo un hombre que observa la escena con los brazos abiertos.
Otro mural de Wadi Sura nos muestra escenas bicolores que combinan pinturas en tonos marrones con un segundo color que podría ser de un matiz amarillento.
Viajando atrás en el tiempo, hace unos cien mil años −tal y como se ha señalado desde la propiaUniversidad de Oxford y otras muchas instituciones de prestigio−, el Sáhara del actual Egipto estaba formado por fértiles valles de unos 100 kilómetros de ancho, nacidos sobre las riberas de los tres grandes ríos que atravesaban el área desde el Mediterráneo hasta su zona central.
Pintura rupestre bicolor de Wadi Sura en color marrón y un probable tono amarillo muy tenue.
Sin embargo, hace 17.000 años la Tierra se hallaba al final de la última era glacial (iniciada hace unos 80.000 años). El clima del planeta era mucho más frío, y con el paso del tiempo, toda esta región quedó cubierta de arena. En un área cercana, en la zona de Wadi el Obeyed, existen acantilados de piedra caliza, y en ellos se encuentra la entrada a una cueva que apenas se puede ver a simple vista.
En ella pueden contemplar manos tan sorprendentes como ésta:
Las marcas de la derecha son rastros de antiguos nidos de avispas.
Además, en la vecina zona de Wadi al Firaq, se puede observar una hermosa pintura de una vaca con tres bandas blancas, que quizás representen un collar alrededor de su cuello.
Por otra parte, al sur de las pinturas rupestres de Wadi Sura se localiza la mítica montaña Jebel Uwaynat, en cuya cima se encuentran las actuales fronteras de Egipto, Libia y Sudán. También en esta zona existen muchos lugares con pinturas y grabados rupestres.
Pintura rupestre de una vaca con un supuesto collar triple, Wadi al Firaq, Egipto. (Fotografía: La Gran Época/TARA)
Según ha destacado el propio equipo de expertos de TARA, la mayor parte del arte rupestre de esta región occidental procede de la época prehistórica pastoril que, probablemente vivió su máximo apogeo entre los años 6.000 a. C. y 2000 a. C.
Algunas de las pinturas rupestres encontradas en la zona de Jebel Uwaynat, justo en la frontera entre Libia, Egipto y Sudán
Por su parte, el Valle de Karkur Talh (Valle Acacia) corresponde al lecho de un río que corría al pie del monte Uweinat (Uwaynat), ubicado también cerca de las fronteras de Libia, Egipto y Sudán. Esta zona alberga numerosas imágenes de animales y fauna muy diversa, como leones, jirafas, avestruces, gacelas y vacas, según destaca en su registro de fotos del lugar el portal de Internet Alamy.
A continuación procedemos a mostrarles algunas fotografías del arte rupestre descubierto en el Valle de Karkur Talh:
Un claro ejemplo de las típicas pinturas y grabados rupestres del área de Karkur Talh
Esta roca de Karkur Talh muestra una pintura bicolor en rojo y blanco datada en el período pastoril y en la que se observa el uso de caballos
Otra de las rocas de Karkur Talh con cinco figuras de color marrón, aparentemente sentadas, junto a dos mujeres bailando, además de otras figuras rojas y blancas de formas esquemáticas.
Por último, otra región egipcia muy rica en arte rupestre son las montañas del mar Rojo, cuyos grabados corresponden a algunos trabajos excepcionales de fechas más recientes, como las dos últimas imágenes que les ofrecemos a continuación:
Grabados del desierto occidental de Egipto en los que pueden observarse imágenes de jirafas y otros animales
Última imagen de este artículo, hallada en una roca situada frente a lo que era un río hace miles de años y que nos muestra pequeñas figuras de vacas, perros y ovejas. La roca fue picada posteriormente con filas de ordenadas ranuras verticales, cuidadosamente pulimentadas.
Adriana – El lago encantado
En 2005 el festejo por los quince años del Ballet Argentino reunió a Julio Bocca con Les Luthiers; aquí un fragmento del espectáculo.
La voz grave y solemne de Marcos Mundstock anuncia que lo que se verá a continuación es la última producción de Johann Sebastian Mastropiero, el célebre compositor de ficción creado por Les Luthiers, y así da comienzo a la presentación de El lago encantado, una parodia –desopilante pero en todo momento respetuosa de El lago de los cisnes– en la que las doncellas, víctimas de un hechizo, por las noches se convierten no en bellos cisnes sino en… marineros. El narrador, que comenta y explica cada acción antes de que los bailarines puedan realizarla, da la bienvenida a la primera bailarina –Eleonora Cassano en el papel de la princesa Malixendra– “y a la segunda, la tercera, la cuarta, la décima, y la centésima…”, y así sigue. Más tarde aparecerá el príncipe Vassili -Julio Bocca– (“el que siempre vacila”, acota el locutor), con sus súbditos: todos luciendo ajustadas calzas “que denotan su status social”, por lo que Julio, por su jerarquía, se pavonea mostrando un bulto bien abultado.
Así comienza esta breve pieza coreográfica que el Ballet Argentino estrenó el viernes pasado con motivo de la celebración de su 15º aniversario, en un doble programa mixto con Julio Bocca a la cabeza, Hernán Piquín y Cecilia Figaredo como primeras figuras y Eleonora Cassano como primera bailarina invitada. Con texto y música de Les Luthiers y coreografía de Lidia Segni, Bocca se ríe de sí mismo y de los cánones tradicionales del ballet clásico en esta nueva versión de El lago… en la que –siempre a modo de juego– las parejas de bailarines se esconden tras los juncos, la bailarina principal –alzada, y no sólo en los brazos de su partenaire– engaña al príncipe con su mejor amigo y las doncellas se convierten en marineros que salen a bailar con otras doncellas que aún no se han convertido.
https://www.youtube.com/watch?v=rde8B44r5uE